HISTORIA  DEL  ARTE.  INTRODUCCIÓN.-

 

                                                                        Por Guillermo R. Gagliardi.

 

 

 

1.-  Historia e historiadores.-

 

• Las primeras manifestaciones del Arte estuvieron en relación con la Magia.

 

• Obra de Arte es una sucesión de formas, colores, líneas, volúmenes y espacios que requiere para ser apreciada un acostumbramiento del ojo y de la sensibilidad.

 

• Para algunos el Arte tiene carácter utilitario. Para otros es algo gratuito, inútil, es lujo.

Para otros debe ser Idealización, o realista. Según  algunos el Arte debe estar Comprometido con la Sociedad.

 

• La Obra de Arte tiene un valor intrínseco que va a existir siempre por más que haya quienes nieguen el valor de la misma.

 

• Antes se hacía Historia del Arte según el gusto del Historiador.

Se debe estudiar la obra de arte con Perspectiva Histórica.

 

• Elie Faure (1873-1937), p. ej., no concibe una Historia del Arte que no sea una transposición poética lo más viviente posible.

 

• René Huyghe 1906-1997)  califica  al  Arte es la respiración del alma.

 

 

El Primer historiador del Arte fue Giorgio Vasari (1511-1574). En  1550 escribió “Vidas de los más excelentes pintores, arquitectos y escultores italianos”.

Se ocupó de tres siglos de Pintura Italiana. Nos habla de los pintores flamencos muy brevemente.

Era contemporáneo de Miguel Ángel y del Tiziano y admiraba al primero.

Toda la obra está concebida partiendo de esa admiración; no es objetivo, se guía por su gusto.

 

El Arte sigue un camino ascendente de perfeccionamientos. Son buenos según se acerquen o no a  Miguel Ángel.

El siglo XVI es la Perfección, culmina con M. Ángel. Intención histórica (común a los Renacentistas).

Investiga, busca la Verdad Histórica. Viaja, recoge datos y tradición oral. Proporciona datos inéditos, con errores, pero los consigna sinceramente.

 

• Pintura Florentina: lineal y dibujística (por tradición). Obtiene la forma primero dibujando, luego dentro encierra el dibujo.
• Pintura Veneciana; es pictórica. Obtiene la forma directamente con el color.

 

Antes que Vasari, hubo otros que se ocuparon de estos asuntos. Por ejemplo, Plinio el Viejo (23-79, militar y escritor latino) escribió una “Historia Natural”. Allí dedica un capítulo a los Pintores. Describe el origen (vegetal, animal, mineral) de los colores usados por los artistas de su época. Se ocupa de los Pintores Griegos.  Plinio tomó esos datos de los autores helenos y agregó los nuevos.

Esas obras que él menciona no nos han llegado.  Registra todos los datos biográficos que conoce sobre cada pintor.

 

Da listas de obras y describe temáticamente cada una. Hay muchas anécdotas. Entre otras, cuenta que Zeuxis cierta vez compitió junto con Parrasio, para ver cuál era más hábil en representar la Naturaleza. Uno pintó una uva y otro, una cortina. Al primero le sucedió que el ave se creyó que era verdadera, y el otro, al ver el cuadro creyó que era realmente una cortina.

 

Una segunda anécdota relata que Apeles visita a Protógenes, llega al taller, pero éste no estaba. Entonces la mujer le dice que deje su nombre y él con pincel trazó una línea. Al llegar Protógenes, reconoció que sólo Apeles podría hacer esa línea tan armónica.

 

• La Historia del Arte es la Historia de los elementos Estéticos creados por el hombre, que se relacionan directamente con la Vida inmediata. Es una parte de la Historia de la Humanidad. Tiene un lugar definido dentro de las Ciencias del Espíritu.

 

• Su objetivo es el hecho estético en sí mismo o en sus relaciones con otros hechos estéticos o con su momento social o histórico. Intervienen la Arqueología, la historia del Gusto, la Política, la Religión.

 

• En una obra de arte estudiamos su Contenido, Constitución física (técnica, temas y elementos que usa el artista), comparación con otras obras de arte. Cuando quiere reflexionar sobre sus propios problemas: Estética.

 

 

• En el Medioevo existen Tratados de Pintura, escritos generalmente por monjes, que daban “recetas” para los pintores. Por ejemplo, Teófilo, en el siglo XII, escribe un Tratado. Cada tanto habla de un artista, da su nombre.

 

En el tratado de Chenino Chenini hay juicios críticos más definidos.  Así, sobre Giotto escribe que llevó el arte de la Pintura de lo Griego a lo Latino y lo convirtió en Moderno (cuando menciona Lo Griego, quiere significar, Lo Bizantino).

 

• En el siglo XV hay artistas que se ocupan de problemas pictóricos, pero no hacen Historia del Arte. V.gr., Alberti, arquitecto; Piero della Francesa, pintor; Luca Pacioli, humanista; Leonardo, entre siglos XV y XVI. Se ocupaban de problemas teóricos, compositivos, artísticos.

 

• En el siglo XVII, carácter polémico en Historia del Arte. Querella entre línea y color. Se forman dos bandos: los partidarios de Rubens (flamencos) y los de Poussin (francés). Rubens fue más pictórico, dibuja con pincel. Poussin, perteneció a la corriente dibujística o lineal.

 

• En el siglo XVIII la Historia del Arte como materia sufre gran impulso, se transforma en lo que es hoy. Eso se debe al carácter racionalista del siglo, a los descubrimientos de Pompeya y Herculano, que despertaron un interés arqueológico. P. ej. J. Joachim  Winckelmann (1717-1768, arqueólogo e historiador, helenista), es el primero en asegurar que la Obra de Arte no sólo está influida por el Individuo Creador, sino por la atmósfera moral, intelectual y material.

 

• Hyppolite  Taine (1828-1893) a fines del siglo XIX, escribe una Historia de la Literatura Inglesa (1863), donde enuncia su teoría: Medio, Raza, Momento. Hace Historia Social del Arte.

Influido por el Positivismo aplica las Leyes Naturales a las Creaciones del Espíritu. Concibe a la Obra de Arte como una planta, que nace, crece y muere.

       Vasari  se refería a un proceso ascendente solamente.

 

En su “Filosofía del Arte”, el francés elige ejemplos que confirman su Teoría. Falla por ese determinismo de la Naturaleza que no se puede aplicar a la Obra de Arte, Creativa.

No hace historia general del Arte. Sólo  escribe de Grecia, del Renacimiento Italiano y los Países Bajos (especialmente el siglo XVII holándes).

Elegía por su gusto. Sienta algunos principios: cómo la naturaleza influye sobre la obra. Los países húmedos producen obras coloridas (fue el primero en decirlo).

 

• En el siglo XX prevalece un criterio más científico, más objetivo. Hay dos corrientes opuestas:

 

A) Arnold Hauser (1892-1978, “Historia social de la literatura y del arte&rdquo, en que ya no hay determinismo, pero sigue la línea taineana. Todo arte está condicionado socialmente pero no todo en el arte es definible socialmente.

Las mismas condiciones sociales pueden producir obras valiosas y sin       valor. 

 

B) Taylor: considera que la Historia del Arte debe hacerse sobre la base de la observación directa de la obra, desprovista de concepto. Es absurdo estudiar la biografía o el medio del artista. Otros: André Malraux, en la línea de Faure, Francastel, Jule Argan.

 

 

2.- Elementos y Técnicas  del Arte.

 

A)       Dibujo: es el elemento principal, la línea, transformada en trazo. Es el más abstracto, representa la esencia de una forma en una superficie bidimensional.

       

La línea no existe en la naturaleza, es una creación ideal (el horizonte, p. ej.). Ya en la Prehistoria el hombre reduce una forma a una línea.

 

El Dibujo se lo consideró algo auxiliar, un recurso técnico secundario. Servía para haber bocetos de lo que luego sería la obra pictórica. Era un paso previo a la realización.

 

En el siglo XIX adquiere categorías plásticas independientes. Los artistas ya exponen sus dibujos. Se dibuja con distintos materiales: lápiz negro o de colores, pluma, pincel, tiza, pastel, sanguina.

 

Según lo que quiere expresar usará distintos elementos; son diferentes los resultados. Es diferente en un escultor o en un pintor. El primero da a su dibujo calidad pictórica, el segundo da un cierto volumen.

 

Hay un límite en que un dibujo se convierte en Pintura: cuando el colorido cubre mucha superficie de la obra. Valor: es la cantidad de luz que tiene un color. Es lo que hace que un color sea claro u oscuro.

 

B)       Grabado en relieve:  relacionado en sus orígenes con la impresión de naipes y  estampas. El primer tipo de grabado (1400) fue la Xilografía (grabado en que interviene la madera).

En ésta, el artista realiza su  dibujo en un taco de madera. Sobre él realiza su dibujo. Luego con una gubia el artista ahueca la madera respetando el dibujo que queda sin toca. Se pasa un rodillo entintado, paso por lo que está a nivel de la superficie, se aplica un papel y se  sacan las pruebas.

      

Es un antecedente de la Imprenta. Luego se abandonó como algo secundario. Recientemente se lo tomó en el Expresionismo Alemán.

 

C)       Grabado en hueco:  en el mismo siglo. Hay que ahuecar el dibujo. Con un buril cava el dibujo, cava un surco en la plancha. Se pasa un rodillo con tinta, la tinta entra en el surco. Se limpia la plancha con un trapo. Luego se prensan las hojas.

Técnicas: el aguafuerte, entre otras. Aquí el trabajo de hacer surcos lo hace un ácido. Se cubre con un material gelatinoso. Con una punta de metal se crea el surco. Se mete la plancha en un baño de ácido, que come el metal descubierto, no el cubierto por la cera, que es aislante.

 

D)  Aguatinta:   protege la plancha con grados de resina. Albert Durero:       grabado hueco con buril, Rembrandt, Goya: aguafuertes.

 

E)    Litografías:   siglo XVIII. Procedimiento más directo. Se trabaja con una       piedra litográfica, sobre  la cual se dibuja directamente (siempre invirtiendo          el dibujo). Una vez  que ha dibujado se baña la piedra con agua acidulada, así desaparece aparentemente el trazo y se pasa el rodillo con  tinta. Facilita la tarea de grabar, se conserva la espontaneidad del dibujante. Goya hizo litografías; Toulouse-Lautrec, en colores.

 

F) Color:             es una especie de ilusión óptica, según G. D’Annunzio es el esfuerzo de las cosas por convertirse en luz. Sin luz el color no existiría. Los rayos no llegan puros; se refractan al chocar con corpúsculos atmosféricos. Al chocar se reflejan y se refractan o quiebran.

Los estudios físicos sobre el color comienzan en el siglo XVIII. Esa descomposición de la luz permite ver qué colores la componen: 3 son los básicos:

 

Primarios= rojo-azul-amarillo / Secundarios= verde-anaranjado-violeta (nacen de la suma de los otros). Colores puros (su presencia la descubrimos  en la luz).

También Negro (absorbe todos los colores) y Blanco (suma de todos los colores). Hay toda una gama de marrones y grises (colores terciarios, quebrados o neutros= en su composición entran por lo menos 3 ó 4. Quebrados= también se los llama así, porque los componentes se han deshecho, perdido su color propio. Neutros= porque no son ni una cosa ni la otra.

 

Valor: es la cantidad de luz que tiene un color. El valor puede ser alto o claro, bajo u oscuro. Tienen valores contrastados los que están separados. Valores próximos= da aspecto de serenidad en un cuadro.

 

Colores cálidos: se parecen al rojo de la llama. Salientes.

Colores fríos: tienen resonancia de agua o de cielo (tienen algo de melancólico). Entrantes.

 

Generalmente el artista dosifica. A veces los usa adrede para lograr un efecto especial (Gauguin).

Colores complementarios: son los que les faltan a otros para reconstruir la luz blanca. Azul y anaranjado son complementarios. Amarillo y violeta son complementarios. La luz del sol nunca es blanca. Si la luz es roja la sombra va a ser verde. Los impresionistas fueron los primeros en demostrarlo. Importancia= mezclados se anula, se neutralizan, se quiebran (forman los quebrados) pero yuxtapuestos se exaltan mutuamente. Delacroix  reconoció este efecto de los complementarios.

 

Ejemplos:

 

• “Balsa de la Medusa” de Géricault= sobrevivientes de un naufragio. Se hace un juego de valores. Son en su mayoría quebrados. Contraste de valores.

 

• “En el cabaret” de Tolousse-Lautrec= utiliza colores intensos; cálido rojizo-anaranjado, salpicado en casi todo el cuadro. Está hecho  en diagonal. Los personajes individualmente son tristes. La escena en conjunto parece alegre. Lo cálido está muy cerca nuestro; lo frío, lejos.

 

• Tanguy= movimiento superrealista, lo que está por arriba de la realidad, sueños y escenas oníricas. Una cosa muy inquietante. Crear un paisaje deshabitado: objetivo= utiliza así colores fríos.

 

• “El rapto de Rebecca” de Delacroix= tema de inspiración romántica. Está hecho con cálidos, acción violenta que se está desarrollando.

 

• “La jirafa ardiendo” de Salvador Salí= 90% fríos. La jirafa con un cálido muy fuerte. Se destaca en el conjunto  fuertemente.

 

G)             Técnicas de la Pintura=

 

Hoy operan factores mecánicos: témpera o temple, óleo (siglo XV), pastel (siglo XVIII), acuarela (ya en los egipcios), fresco. Son técnicas antiguas.

Es necesario usar un aglutinante para el material  o un diluyente: técnicas del agua: temple, acuarela, fresco; técnicas en seco: pastel; técnicas al aceite: óleo.

 

En la acuarela el aglutinante es agua engomada y el diluyente es el agua.

 

En el temple el aglutinante es una emulsión (se unen elementos grasos y acuosos). Se usó mucho la yema de huevo. La pintura al temple es opaca, espesa, cubriente, mate. No se pueden obtener empastes gruesos. Para caballetes y murales (transportables).

 

La acuarela se usó para bocetos, estudios previos y no para obras definitivas. En el siglo XVIII (fines) los paisajistas ingleses fueron los primeros en pintar paisajes a la acuarela. Desde entonces es una técnica independiente.  P. ej., el argentino Jorge Larco.

 

El óleo es una pintura al aceite. A partir del siglo XV; los primeros fueron los hermanos Van Eyck (flamencos)= “Políptico del cordero místico”: la primera pintada al óleo. Está integrado por tres cuerpos, pero dividido por su tamaño en varias escenas. Primero pintaron con témperas y habían dado las tres últimas capas transparentes al óleo (veladuras).

 

Ventajas del óleo: el brillo, los colores no cambiaban al secar. Al ser el material aceitoso, la adherencia de las capas. La ductilidad de la materia permite que se le aplique en capas gruesas y parejas (media pasta) y en  capas muy gruesas (empaste). Permitía obtener blancos y negros muy intensos. Desplazó a la témpera en el  uso, y se impuso el óleo.

Antes de esa fecha se intentó aglutinar los colores con aceite pero no se consiguió usar un aceite que secara con rapidez.

 

Fresco: sobre una pared se puede pintar en seco, con temple (egipcios), con óleo. Se realiza sobre un revoque fresco, enduido (y no seco). Hace un cartón al tamaño de ejecución (hace un boceto). Calca luego la composición a la pared (la traslada a la pared). La última capa de revoque debe ser lisa (cal, yeso y polvo de mármol). Demora 5 horas en secar. El artista debe calcular el tiempo. Pinta con colores a la cal. La pintura se termina cuando se termina la pared.

 Prosperó en toda Italia (Rafael, Miguel Ángel, menos en Venecia por razones climáticas). Aclara al secar. No es una técnica rápida. Se ha abandonado. Raúl Soldi ha usado esta técnica.

 

Ejemplos:

 

• Pintura egipcia: pintada a témpera sobre pared. Colores vivos, pero opacos, que no permiten mayores gradaciones en el color.

 

• Pintura románica catalana del siglo XI: pintura en témpera, también en muros.

 

• Pinturas rupestres: los colores que tiene a su alcance: el ocre de la tierra, el blanco y el negro de lo que quemaba. Fue usada  la témpera para ilustrar Libros Miniados o Miniaturas.

 

• Fray Beato Angélico: trabaja en madera con témpera. Sensación de pliegue y volumen con la témpera (siglo XV).

 

Tapiz, vitral y mosaico= son técnicas pictóricas (porque se expresan por el color) y de decoración moral.

 

El tapiz desde el cartón de ejecución, se trasladará a la tela. Técnica originaria de Oriente, común a Europa Medieval. Doble función: decorativa (servía para abrigar las salas de los castillos) y funcional.

Los temas no son necesariamente religiosos. Sí mitológicos, históricos o legendarios.

 

El vitral era destinado a las Iglesias. Tema religioso. La composición se traslada al vidrio coloreado en su masa (en su proceso e fabricación). Período Gótico. Llena el hueco creado en el muro por un ventanal.

El artista en el cartón de ejecución debe señalar todos los fragmentos de vidrio (hace como un rompecabezas). Señalar también los diversos colores. Cada uno de estos fragmentos está unido por una varilla de plomo. Los elementos opacos del vitral serían esas varillas.

Al hacer el cartón debe calcular el espacio que ocuparán las varillas. Luego se colocarán cada tanto varillas de hierro que sostienen el vitral.

 

El mosaico era destinado para decorar pisos o paredes. Para los pisos se usaba un material más duro, generalmente mármol. Mosaico mural: con pequeñas “teselas” de esmalte de diversos colores. Se crea una composición, que se calca en la pared. Se pone adherente.

 

Ejemplos:

 

• “Mosaico bizantino de la ciudad de Ravena”: la reina Teodora con su séquito. Composición lineal. Jerarquización por tamaño. Técnica muy usada en el siglo VI, pero luego descendió: por mucho trabajo y la mucha gente trabajando que exigía.

 

• “Mosaico persa” siglo V a.C., de cerámica. No son teselas (prismas de barro cocido, cuadrangulares y de distinta forma). Menos trabajo que los bizantinos. Hay mosaicos que tienen relieve.

 

• “Tapiz de la dama del Unicornio”: en vivos colores.

 

• “Tapiz Bayeux”: es un bordado de fines del siglo XI. Tapiz de la reina Matilde. Narra la conquista de Guillermo el Conquistaor.

 

• “El niño del carnero”: tapiz hecho en cartón por Goya.

 

 

H) Escultura:   se expresa a través de una forma tridimensional. Hay dos procedimientos básicos: talla y modelado.

El primero consiste en desbastar un material duro para obtener una forma (piedra, madera, marfil).

El segundo, en ir incorporando material por acumulación. Se usa arcilla. Se acumula sobre un soporte (un alambre). Cerámica. Comienza a dibujar un boceto y luego generalmente un boceto tridimensional usando arcilla. El material es blanco.

 

Primer sistema de construcción: adintelado o arquitrabe (hubo intentos anteriores que fracasaron). Ej., el dolmen prehistórico, en forma de TT, hay dos elementos verticales (dintel y uno horizontal (jambas). El arco pleno, como una U invertida. Y el falso arco. Una yuxtaposición de ladrillos que crea una Bóveda.