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NOTICIAS SOBRE EL ARTE RENACENTISTA.-
Por Guillermo R. Gagliardi.
- Renacimiento= Pre.Renacimiento ó Primer Renacimiento, siglo XV. Alto Renac.: siglo XVI.
Nace en Florencia (Italia) gobernada por Cosme de Médici y su nieto Lorenzo el Magnífico. Se produce en los Países Bajos.
En Pintura se hacen de un modo empírico cuadros de carácter naturalista. En Florencia, es donde todos los descubrimientos se formulan en forma teórica, no sólo práctica.
Renacimiento de formas clásicas Greco-Latinas. Recrear la Cultura Clásica. La Cultura Latina no había muerto en Italia (Renacimiento Carolingio). El Latín seguía siendo Lengua Culta.
Había ruinas de construcción romana (acueductos, templos).
El griego no estaba tan vivo, por el éxodo de sabios que llegaban de Bizancio escapando a los turcos, se reavivó (1453, toma de Constantinopla).
G. Vasari usó por primera vez el término “Renacimiento” (siglo XVI): constituía una “Rinascita” de las Formas Clásicas. La usó Jules Michelet, historiador francés (1798-1874). Jacob Burckhardt (1818-1897) escribió “Humanismo y Renacimiento”, época en que el individuo emerge de la masa anónima del Medioevo. Heinrich Wölfflin (1864-1945) alemán, “Conceptos fundamentales de la Historia del Arte”, estudia el Renacimiento comparándolo con el Barroco.
- Siglo XV: Italia se divide en ciudades-estados, independientes unos de otros y en lucha. Eran prósperos, vivían del comercio inteligente. El Comerciante era rico. El Príncipe, un déspota. El Mecenas: sin él no hay Arte.
El Gótico nace en París, en la isla de Francia, en el Norte. Sabio y refinado. Norte de Europa, captaba la luz. Vertical, aéreo, abierto, arte ciudadano, naturalismo. Período de abstracción: no hay cierto claro-oscuro:tridimensión, cuerpo chato, jerarquización por tamaño, medieval. Superposición de planos en los Santos. El rostro de Cristo ya tiene algo de expresión.
Así en Masaccio, naturalismo perfecto, luego de claro-oscuro gradual y perfecto= figuras con corporeidad. Profundidad del cielo. Proporción entre edificios y personajes, perspectiva lineal, paisaje natural. Las aureolas de los Santos son tangentes, se mueven con las cabezas. El hombre, orgulloso de su arte, deja una señal: autorretratos, se firman las obras. No siempre ponen el nombre sino que se retratan dentro de un conjunto pictórico.
Escultura: más común es la figura de bulto porque se busca el Naturalismo. Burckhardt: Individualismo (“El Príncipe” de Maquiavelo, “El Cortesano” de Castiglione, hablan de individuos), opuesto a la Masa Anónima, Medieval.
La primera manifestación del arte renacentista, en 1409: construcción de la Segunda Puerta de bronce del Baptisterio de Florencia. La primera puerta: en bronce, reducido número de figuras, escenas de claridad y belleza de composición. La Segunda, superabundancia de figuras y asuntos. Estatuillas encuadran la composición. Marco exterior con guirnaldas de frutas y flores y animales intercalados.
El “Humanista” es el intelectual del Renacimiento. Término de Cicerón. El comerciante adquiere importancia por el dinero (los Médici). El “condottiero” era un soldado mercenario, trabajaba al servicio del mejor postor. Mecenas: era el Protector de los artistas. Los intelectuales quieren poner las cosas a la altura del Hombre.
Marsilio Ficino, preceptor de Lorenzo de Médici. No basta con el Milagro, hace falta una explicación de las cosas. Admiraba a Platón, creó una Academia Neoplatónica para explicar racionalmente la Religión. Explica la Divinidad del alma humana y su profundo anhelo de identificarse con Dios.
Gianopzzo Manetti: exalta la admirable proporción física y la asombrosa energía creadora del hombre.
Pico della Mirándola:: el hombre es el compendio y el epílogo de todo el universo.
Poggio Bracciolini: la Naturaleza era la Madre de todas las Cosas. . Lorenzo fue un fino Poeta.
Poliziano: en algunas de sus poesías se inspiró Boticelli.
Castiglione: la belleza era un influjo de la Bondad Divina que se expande sobre toda cosa creada como la luz del sol.
Hay interés en lo formal (en la Edad Media: interés por contenidos científicos y morales. Prevalece la estética hedonística (Medioevo: estética pedagógica, alegorismo).
En el siglo ocurren grandes descubrimientos. El hombre se propone investigar, aprovechar su inteligencia. Descubre la Naturaleza que lo circunda. Estudios de Botánica, Anatomía, Zoología. A estas ciencias acuden los artistas para dibujar, p. ej., Miguel Ángel acudía ala Facultad de Medicina.
Dos teóricos del Renacimiento artístico: León Battista Alberti, pensador, arquitecto, “Tratado de la Pintura”, “Descripción de la ciudad de Roma”, “De re aedificatoria”, “Della statua”, “Sobre el gobierno de la casa”, “De la familia”, “De la tranquilidad del alma”. ; y Brunelleschi, arquitecto, escultor, Tratados sobre perspectiva lineal.
Centros: Florencia (renacimiento más amplio, teórico, filosófico, racional, todas las manifestaciones plásticas). Países Bajos: centros artísticos, banqueros, comerciales; renacimiento Flamenco: carácter empírico, copia la realidad visual, arquitectura, pintura y escultura. Piero della Francesca: pintor, autor de un Tratado de Perspectiva.
Guiberti: “Comentarios”, son la primera autobiografía escrita por un artista. Luca Pacioli: pensador, “Sobre la Divina Proporción”.
No toda la construcción renacentista es religiosa. Más que Iglesias se construyen capillas.
Fra Angelico, Boticelli= más idealistas, espirituales. Andrea del Castagno, Mantenga= algunos rasgos expresionistas. Uccello, della Francesca= más matemáticos, racionalistas, no está tan medida la realidad. Masaccio, Antonello da Messina= más realistas, aunque siempre hay una pequeña abstracción, simetría, iluminación pareja.
Todos son naturalistas, observan la naturaleza, transforman la realidad, se inspiran en ella, en el cuerpo humano.
El artista era visto como uno más, no en un pedestal.
Hay dos obras que inauguran el Renacimiento Florentino:
- Cúpula de la Catedral de Fiorenza, “Santa María de la Flor”, hecha por Bruneleschi, inaugurada alrededor de 1430, produjo admiración en el pueblo.
- Puertas de bronce del Bautisterio de Fiorenza, de Guiberti. Tiene medallones con escenas, ésta ya estaba hecha antes. Miguel Ángel la bautizó como “Puerta del Paraíso”, tiene paneles con escenas.
Había Fuentes Romanas que los inspiró, pero no Pinturas. Las Pinturas de Pompeya se descubrieron en el siglo XVIII. La Pintura nace como lección del relieve. En Florencia tiene carácter escultórico, de relieve.
Ejemplo: Iglesia de San Andrés, en Mantua, de Alberti= se inspira en el Arco del
La bóveda, los arcos.
Cúpula de Sta. María de la Flor, de Bruneleschi.
Palazzo Ruccelai, de Alberti y Palazzo Riccardi= no hay línea ascendente, construcción regida por la horizontal, cornisa. Pilastra: pilar empotrado. Capitel dórico, jónico y corintio superpuestos. En el Coliseo ya se había superpuesto las tres órdenes de columnas.
Ghiberti= el pintor debía conocer la gramática, filosofía, geometría, medicina, historia, anatomía, dibujo y aritmética.
Dos estatuas ecuestres: el “Gattamelata” de Donatello y el “Colleoni” del Verrocchio, eran condottieri. Esas dos esculturas en bronce, representan al guerrero, son una hazaña artística, esa técnica se había perdido en el Medioevo. Verrocchio comenzó su carrera como pintor, pose arrogante, expresión adusta del rostro, recurre a la expresión exterior de fuerza, dinamismo, línea oblicua.
Donatello: pose estática, línea recta, brazo extendido, señala esa rectitud de dirección, cabeza noble clásica, recursos más sobrios. Idealización: parece un arquetipo de guerrero. La fuerza surge de la interpretación psicológica del personaje, y no de su expresividad. Cabeza del caballo: naturalismo, observación fiel de la anatomía animal.
Donatello ejerció una influencia decisiva en la renovación del arte florentino. La primera y más importante actividad artística en Florencia era la Escultura. Es el hombre providencial del Protorrenacimiento: inusitada fuerza creadora, muchas obras, variedad, originalidad.
“David vencedor de Goliat”: chiquilín gracioso, sombrero de pastor. Idealización: adaptar rasgos de un personaje a un Ideal de Belleza.
“San Jorge”: de mármol, naturalismo idealizador.
Idealizar es ajustar a un ideal de belleza prefijado (siglo V griego, Boticelli, Modigliani). Realismo es la copia de la realidad, el artista, a pesar de todo la modifica, según el enfoque, la elección. Naturalismo se simplifica la realidad.
Veronese: arte noble y abierto. No tiene temperamento demoníaco ni místico. Un cuadro para él es una fiesta, esplendor, sedas, bellas mujeres, caballos, mesas, adornadas, deslumbrantes, festines, pompa. Hasta banquetes bíblicos. Lugares y perspectivas de esplendor arquitectónico, aspecto magnificente.
Sandro Botticelli es el punto culminante de todo el arte del Quatrocento. “La Primavera” y “El nacimiento de Venus”: tema pagano, no predomina el gozo y la expansión sensual, sino la melancolía y aflicción en la expresión y el movimiento. Paralelo entre vida y obra, influencia de Filippo Lippi.
Rostros tristes, pensativos, a pesar del tema alegre y pagano. Todos los rostros femeninos son como el de su novia Simonetta Vespucci.
Idealiza los personajes. Los rostros masculinos se parecen al de Julián de Medicis,. Muere en 1510.
En “El nacimiento de Venus” hay simetría, estática, idealización, aire melancólico, abstracción (en las ondas del mar, grafismo sintético), pintura dibujística.
“San Sebastián”= hermoso paisaje de fondo, lejano (típico del Renacimiento Cuerpo, rostro: naturalismo. “Virgen del Magnificat”= cuadro redondo, . En vez de aureola hay rayos y una corola: dibujística, abastracción de ciertos detalles. Perspectiva , belleza del paisaje.
Hacia 1500, posterior a Savonarola. Elemento dramático que antes no existía en él de esta forma. Línea compositiva, descendente, parece aplastar a los personajes. Construcción piramidal: figura estática. Doble esquema, curvo. Expresiones de los rostros trágicos, también el colorido. Juego de aureolas, que acompañan el movimiento de las cabezas, se crean juegos de profundidades espaciales.
Entre sus últimas obras, “Natividad”, en que hay un retroceso, jerarquización, vuelve al Medioevo, amontonamiento de personajes, inscripción: función didáctica, retorno forzado.
Antonello da Messina: sus primeras pinturas tienen influencia de Mantenga. Formas duras y colorido algo seco. Juego de luces. Delicioso encuadre, claroscuro intenso. Conformación escultórica, monumental quietud de sus figuras. Retratos fieles, de fuerza expresiva, gran realismo, seguridad del dibujo, delicadeza de su ejecución, domina la tecnica del óleo.
Lorenzo Ghiberti: fue fiel a las tradiciones del Trecento. Figuras de redondez acentuada, profundos y largos pliegues de los vestidos, esquemática insinuación de la arquitectura. Noble y recatada actitud. Fantasía, poderosa inventiva. Maestría y claridad con que están dispuestas sus composiciones. “San Esteban”= juvenil, recatado y tímido.
Otros ejemplos:
- “Anunciamiento”: el jardín es el Paraíso Terrenal. Sensación de silencio absoluto. Misterio. Sobrecogimiento. El tiempo se ha detenido: porque allí ocurre algo soberanamente espiritual. Alargamiento de los cuerpos, no voluminosos, Sentido de la espiritualidad (compárese con “La Anunciación” de Fra Angélico, siglo XV, pintor florentino, afán didáctico).
- Pintura caballete. Adán y Eva están vestidos. Los colores son mucho más vivos. Composición estática. Carece de movimiento, líneas verticales y horizontales (siglo XV).
- Cribelli, pintor veneciano. Diferencias de estilo comparando 1-2 con 3. Florencia y Venecia. Aquél era fraile y éste laico. Ubica la escena en una vivienda lujosa, con relieves y grabados. Coloca la Virgen en una habitación, lujosa. El jardín de las pinturas anteriores se convierte en patios lujosos. El Arcángel Gabriel está acompañado.
- “Anunciación” de Fray Filippo Lippi: ambiente más lujoso que el de Fray Angélico. El huerto está en el fondo. Idealización de la figura.
- Rubens, pintura barroca. Composición dinámica: movimiento ondulante de escape, de salida. Oblicuidad de las formas. Aparecen los ángeles, el rayo de luz y los personajes están vestidos como de costumbre, con los vestidos de la época. Virgen: sobrecogimiento más terreno.
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- Los Clásicos creían que el Estatismo acentúa la Perennidad de la obra.
Rafael Sanzio, “Fresco del Santísimo Sacramento”. Los Barrocos aspiraban a reflejar el flujo incesante y misterioso de la naturaleza y de la vida. Sólo pensaban en aprovechar el impulso vital. Rafael con su profundo instinto se colocaba como lo más cercano a la Antigüedad.
Para él el punto central del Arte es la pureza de las formas. Se halla al servicio exclusivo de la pura configuración de su expresión externa. Sus cuadros comienzan en 1500, en Perusa. Inicia sus “madonnas” en 1510.
Subordina todo a la armonía del efecto total. Juego de líneas, armoniosa disposición de los contornos. Su labor se inspira en ternura, variedad y armonía, un mundo transfigurado de dulzura.
Delacroix: “La batalla de Nancy”: el ejército, los caballos, los hombres, forman un todo único y dinámico. La llanura sirve de cuadro. Todo es indeciso, sin claridad, sin color.
- En el Renacimiento el Artista deja de ser un Artesano pequeño-burgués y se convierte en un trabajador intelectual libre. En el principio siguen la enseñanza en el taller y no hay expresión de la personalidad autónoma.
Miguel Ángel: es el primer artista moderno, el primero que pretende realizar por su propia mano de toda la obra, y el primero que es incapaz de trabajar en conjunto con discípulos y ayudantes. Comienza a recibir una educación artística con método científico, no sólo práctica sino también teórica. Penetra en las conciencias el concepto moderno de la Personalidad Creadora. Son frecuentes los honores públicos a los Artistas.
Los artistas desde el siglo XVI ya no son protegidos de mecenas, sino que son grandes señores ellos mismos.
“David”= musculatura, desnudo perfecto, melancólico e incisivo, impulsivo, juego de luces y sombras, torso hacia delante, aparente estatismo. En su cabeza hay vigor juvenil, tensión.
“Juicio Final”: imagen de la confusión, desesperación grito de Liberación del Caos, desapareció la armonía espacial del Renacimiento. Espacio irreal, discontinuo. No tuvo un sentido tan universal como Leonardo. Su temperamento era totalmente de escultor. Su fuerza radica en su simple amor a la piedra.
En Roma comienza una labor refinada. Baco de Bargello, “Piedad” de San Pietro, . “Moisés”: efecto grandioso, tensión, irritación. Temperamento apasionado, vibrante, sensual.
Como Arquitecto: Cúpula de San Pedro, iniciada por Bramante, circular, tercer piso del Palacio Farnesio, iniciado por Antonio de Sangallo, estilo barroco, acumulación de elementos, más pesada la construcción. Puerta Pía, maciza, con aspecto de fortaleza.
- Escultura renacentista: se decoran iglesias y palacios. Va desapreciendo la dependencia de la escultura a la arquitectura.
En el Quatrocento se limita al relieve y a los trabajos para nichos. Ahora la escultura de bulto redondo empieza a desarrollarse con vigor. Se desiste del color, la escultura del siglo XV era policroma, y se trabaja modelando en claro y oscuro. Se descubre la Antigüedad. La miran con espíritu sereno y con grandeza. Monumentalidad, vibración del cuerpo. Precisión estática.
Leonardo: apasionado primero por lo minucioso. Busca un estilo dulce, lleno de nobleza y espiritualidad. Profundo amor a la prolífica naturaleza.
“Santa Cena”: la mesa en primer término, la cabeza de Jesús la destaca de la ventana, de modo que se le reconoce como jefe moral y espiritual. Los Doce Apóstoles aparecen enlazados en cuatro grupos. La luz está dispuesta de tal modo que la cabeza de Judas es la única que permanece en la sombra. Situación animada. Abundancia de movimientos, ademanes. Tintoretto y Rubens la interpretaron con grandioso patetismo. Disposición, psicología, medios formales. Armonía, diafanidad,, delicadeza. Retratos: pinta a la mujer en la femineidad madura.
“Monna Lisa”= paisaje diáfano, expresión del rostro y manos. El movimiento parte de los hombres, manos y pupilas. Los pliegues del manto palpitan desde el hombro izquierdo a las manos. Maestría para presentar el caballo en movimiento, cartones. Sus figuras son sanas, vigorosas, robustas, finamente formadas. Nos ofrece, con gestos, ademanes y actitudes, al individuo, no al tipo. Su fuerza radica en el espíritu, investigación reflexión, experimento.
- Venecia: Tintoretto pintó en cofradías, humanitarias, que surgieron en Venecia entre los siglos XIV y XV. Poseía un sentido monumental de la concepción pictórica. Temperamento apasionado. Inquieta imaginación. Escenas bíblicas, en la Scuola di San Rocco: movimientos, grandes espacios oscuros y contrastadas manchas de color. Claroscuro, crea una atmósfera patética, es el verdadero heredero de Miguel Ángel.
Lo natural y lo sobrenatural, lo mundano y lo sacro, aparecen sin distanciamiento. Sus representaciones producen un efecto irreal, espiritualizado. Los profetas, santos y Dios son actores, no protagonistas. “Moisés haciendo brotar el agua” está detrás del chorro de agua, Dios es una rueda de fuego. Tiene un enorme temperamento. Es una transición al Barroco. Patetismo demoníaco, dramática violencia. Tenebroso en sus ámbitos. Bosques azotados por la tempestad. No interreta la vida humana con sentido Heroico sino que predica la dependencia de ésta de las elevadas fuerzas de la Naturaleza. Pictórica Libertad de rasgos. Abundancia mórbida.
En Venecia prevalece lo pictórico, colorismo, le falta solidez escultórica, y severidad arquitectónica. Giorgione, Japoco Palma ‘il Vecchio’, Lorenzo Lotto.
Tiziano: iníciase en el taller de Giovanni Bellini. Influencia de Giorgione y Palma. “Amor cristiano y amor pagano”, colores brillantes, “Asunción”, ímpetu, brío. Cuadros de asunto pagano, mitológico (“Venus&rdquo
y bíblico (Madonna de Pesaro). No limita duramente los contornos.
Fray Angélico de Fiésole: idealista y espiritual. Candor y frescura en las Vírgenes angelicales. Tipos humanos esbeltos, armoniosos, de cabezas alargadas, rostro oval Es un virtuoso del color, cumple las leyes de Perspectiva, espacio.
Su pintura posee un hálito celestial. Influjo de Masaccio: el triángulo isósceles con que termina la parte alta de sus composiciones. Fondos áureos, brocatos suntuosos, estelas purpúreas, líneas finas, juveniles rostros de exquisita gracia.
Es manifiesto en su obra el tono decorativo, por haber sido miniaturista e iluminador de códices. Pureza cromática, paisaje impresionista, Toscana y Umbría. Toda su obra exalta al Creador y a sus Criaturas, es una Plegaria pintada. Clima paradisíaco, realista y lírico.
Masaccio: figuras encuadradas dentro de representaciones, arquitectónicas o paisajes con perspectiva y proporciones. Calma, actitud señoril del movimiento, del ropaje y de la expresión. Efectos de la luz. Efecto de Monumentalidad, claridad y quietud. Los detalles son apenas insinuados. Simplificación de las formas. Brillantez del colorido.
Andrea del Castagno: “La Cena”= figuras adustas, fuertemente expresivas, vivo colorido. Arquitectura que da armonía a la composición. Personajes enérgicos. Emoción Profunda.
Piero della Francesca: fina sensibilidad cromática. Enérgico claroscuro. Sentido de lo monumental. Incorruptible objetividad. Descubrimiento de las bellezas del paisaje. Renunciando a todo lo superfluo, busca la grandeza y la mayor sencillez y efectividad. Viveza del color.
Es umbro, no florentino, tuvo formación florentina. San Francisco de Arezzo: decoración con la historia de la Vera Cruz. Interés por observación de la naturaleza. Le interesa el número de la “sección áurea”. No le interesa la corporeidad. No le interesa individualizar a los personajes, siempre son de cuello ancho y largo, frente amplia, monumentales. A pesar de ello son espirituales. Suavidad del colorido y bidimensionalidad. Atmósfera misteriosa. Figuras anchas. Sólo le preocupa la composición. Paisaje lejano.
Andrea Mantenga: inclinado a la imitación de las esculturas antiguas, los espacios ilusorios y la interpretación naturalista. Rafael y Rubens se basan en él. Ejecución meticulosa. Frescos y cartones en que muestra una imagen viva de la vida romana. En Capilla de los Eremktani (Padua), mundo sereno, noble, de indómita energía. Figuras de extraordinario efecto plástico. Escenarios de construcciones inmensas de carácter clásico. “Retablo de San Zeno”: división en forma de tríptico, monumentalidad.
Paolo Uccello: perspectiva. “La batalla de San Román”, 3 cuadros de un mismo tema. Lazos que se encuentran en distintos planos. Geometriza los personajes. “Trampantoj”= es una pintura que imita una escultura de mármol.
